ORGANIZACION MUNDIAL DE ESCRITORES. OME
2024-03-28T13:54:33Z
Benjamín Adolfo Araujo Mondragón
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Juana de Arco
tag:organizacionmundialdeescritores.ning.com,2023-01-18:2659438:Topic:5906347
2023-01-18T08:58:33.635Z
Benjamín Adolfo Araujo Mondragón
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<p>c<img alt="Juana de Arco" class="align-center" src="https://online.tucineclasico.es/wp-content/uploads/2019/02/7S6CfKvvTNJ1S8pLbYq7w8wpqFf-200x300.jpg"></img></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">La película "Joan of Arc" cuenta la historia de Juana de Arco, una joven francesa que lideró a su país en la Guerra de los Cien Años contra Inglaterra en el siglo XV. Juana recibió visiones divinas que la impulsaron a luchar por Francia, y logró varios triunfos militares importantes, incluyendo la liberación de Orleans, una ciudad que había estado sitiada por los ingleses durante años. A pesar de su juventud, Juana se convirtió en un líder…</span></p>
<p>c<img src="https://online.tucineclasico.es/wp-content/uploads/2019/02/7S6CfKvvTNJ1S8pLbYq7w8wpqFf-200x300.jpg" alt="Juana de Arco" class="align-center"/></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">La película "Joan of Arc" cuenta la historia de Juana de Arco, una joven francesa que lideró a su país en la Guerra de los Cien Años contra Inglaterra en el siglo XV. Juana recibió visiones divinas que la impulsaron a luchar por Francia, y logró varios triunfos militares importantes, incluyendo la liberación de Orleans, una ciudad que había estado sitiada por los ingleses durante años. A pesar de su juventud, Juana se convirtió en un líder carismático y valiente, y su lucha inspiró a muchos franceses a unirse a ella en la guerra contra los invasores ingleses.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Sin embargo, a pesar de sus victorias, Juana eventualmente fue capturada por los burgundios, unos aliados de los ingleses, quienes la entregaron a los ingleses. Fue llevada a juicio por herejía y condenada a ser quemada en la hoguera. La película se centra en esta parte de su vida, mostrando cómo Juana siguió siendo valiente y determinada incluso cuando estaba en prisión, y cómo su proceso de juicio fue una farsa política diseñada para eliminarla como una amenaza a la estabilidad del poder.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">La película también se enfoca en cómo Juana luchó contra la opresión y la desigualdad en la sociedad de su época, en especial en cuanto a las mujeres y su capacidad de liderazgo. Se muestra cómo su valentía y determinación inspiraron a muchas personas, tanto hombres como mujeres, a luchar por la libertad y la justicia.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Además, también se aborda su proceso de juicio y su muerte trágica, así como el impacto que tuvo en la historia de Francia y en la cultura popular. Se destaca como su figura y su historia ha sido retratada en diferentes medios a lo largo de los años, desde pinturas y libros hasta películas y musicales. En general, la película busca retratar la historia de Juana de Arco de una manera emocionante y conmovedora, mostrando tanto sus triunfos como sus desafíos y sacrificios.</span></p>
<p></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">©Natuka Navarro</span></p>
EL PODER Y LA GLORIA, NOVELA DE GRAHAM GRENNE
tag:organizacionmundialdeescritores.ning.com,2021-11-02:2659438:Topic:5672527
2021-11-02T15:49:04.169Z
Benjamín Adolfo Araujo Mondragón
https://organizacionmundialdeescritores.ning.com/profile/BenjaminAdolfoAraujoMondragon
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><em><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/9760453874?profile=original" rel="noopener" target="_blank"><img class="align-center" src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/9760453874?profile=RESIZE_710x"></img></a></em></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>EL PODER Y LA GLORIA…</em></strong></span><br></br></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><em><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/9760453874?profile=original" target="_blank" rel="noopener"><img src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/9760453874?profile=RESIZE_710x" class="align-center"/></a></em></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>EL PODER Y LA GLORIA</em></strong></span><br/><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>NOVELA DE GRAHAM GRENNE</em></strong></span><br/><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>(1940)</em></strong></span></p>
<p></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>En el año de 1938, la política laica del presidente Plutarco Elías Calles llevó a cabo en México la persecución religiosa, encaminada a disminuir las actividades educativas de la Iglesia católica y, sobre todo, a reducir los aspectos más visibles del culto religioso.</em></strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>La llamada revolución cristera presentó al gobierno mexicano una firme oposición. La trama de la novela se desarrolla en el Estado de Tabasco, México.</em></strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>El pueblo estaba en una absoluta pobreza, vivía en chozas hechas de barro y sufría el suplicio del hambre. Pero al final del día todos van a la iglesia, se arrodillan y rezan, mostrando su fe. Esto refleja la verdad del estado: el catolicismo romano es intrínseco a ambos, a la gente y a la tierra. Por otro lado, los terratenientes abusan de sus labriegos pero es suficiente si van a la iglesia y se confiesan. Los curas lo perdonan todo y lo olvidan una vez que salgan de la iglesia. Incluso celebran juntos las fiestas.</em></strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>Todo esto provoca una reacción en el Estado. Está dirigida contra el clero cuyo último representante es el protagonista de la novela, nuestro cura del whisky: un clérigo en apariencia orgulloso, con muchas ambiciones y más interesado en comer y beber que en sus parroquianos.</em></strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>El Estado ha ofrecido una última posibilidad a los curas: pueden casarse. Sólo uno de los del estado donde se sitúa la acción (Tabasco) lo hace, pero los otros prefieren morir. Nuestro protagonista, el cura del whisky, escapa. En este momento su degeneración comienza. Bebe, tiene una hija y abandona sus obligaciones.</em></strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>Mientras está huyendo se encuentra muchos otros personajes. Algunos le ayudan: le ofrecen una copa en una calurosa tarde; le dan de comer durante la huida, y otros, alemanes luteranos, lo aceptan en su casa varios días.</em></strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>Pero uno de los personajes ejecuta la traición. Este personaje, un mestizo, intenta engañar al cura varias veces, conduciéndolo al final a manos del teniente, un ateo que piensa que la Iglesia tiene una gran responsabilidad en la situación del estado. Su propósito es el final de la pobreza que él vio y vivió cuando era un niño. Quiere ofrecer un futuro mejor a los niños. Sin embargo, considera que la mejor manera de conseguir ese cambio es destruyendo las iglesias, matando a los curas e incluso, matando a los mexicanos que ayuden a los curas.</em></strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>El cura fugitivo y el teniente perseguidor representan dos ideas abstractas que se oponen. Con doctrinas e ideologías contrapuestas, se extiende en la novela un conflicto que siempre aparece en la historia como un laberinto.</em></strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>El foco de la novela está sobre el cura y su huida. Tiene que escapar, pero al mismo tiempo ser el último cura del estado lo conduce a sus deberes con la humanidad. Se mueve entre su orgullo y sus responsabilidades, sus esfuerzos para escapar y su compasión por los otros. El cura del whisky se debate entre las acciones de su vida cargada de culpa, y la redención que busca en las obras que supone le han sido encomendadas por la gracia divina.</em></strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>La personalidad no es bloque unitario sino un complejo mosaico. Dentro de un solo hombre están el santo y el pecador, el héroe y el cobarde, el libertino y el místico. Así era el cura del whisky: “En el centro de su propia fe permanecía siempre la convicción misteriosa de que estamos hechos a imagen de Dios: Dios era el padre, pero también la policía, el criminal, el cura, el maníaco, el juez…” El cura fugitivo del relato no ha abandonado la fe, aunque en la confusión social y el temor parezca sucumbir a la falsa esperanza que todavía quedaba para él.</em></strong></span><br/><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>Al final, después de una dura persecución, es capturado, más por su compasión que le lleva a ponerse en peligro, que por los esfuerzos de sus perseguidores, y ejecutado ante el pueblo y veía al niño que pudo haber sido la ayuda que no tuvo de los clérigos.</em></strong></span><br/><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>El novelista Graham Greene retoma a los personajes iniciales que apenas vuelven a asomar en el resto del relato, en una especie de novela circular, y lo finaliza admirablemente.</em></strong></span><br/><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>En maravillosa coda, un forastero está en la calle. Saluda al muchacho, aquel que había conocido al cura del whisky en la plaza y presenciado su fusilamiento. El forastero acaba de desembarcar. Es otro sacerdote que viene en misión evangélica.</em></strong></span><br/><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>Continúa la lucha entre las dos corrientes ideológicas opuestas.</em></strong></span><br/><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>El escritor francés Francois Mauriac, de arraigados principios católicos, ha elogiado esta novela que comentamos:</em></strong></span><br/><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>“Graham Greene parece haber penetrado furtivamente en el reino de lo desconocido, en el reino de la naturaleza y la gracia (…) Ninguna corriente de ideas lo aparta de esta clave que ha encontrado. No tiene ninguna idea preconcebida sobre lo que llamamos un mal sacerdote. (…) Existe la naturaleza corrompida y existe la Gracia omnipotente…”</em></strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>****</em></strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong><em>ALEJO URDANETA</em></strong></span></p>
ULTIMO TANGO EN PARIS /Bernardo Bertolucci (1972)
tag:organizacionmundialdeescritores.ning.com,2020-12-21:2659438:Topic:5563392
2020-12-21T19:05:54.978Z
Benjamín Adolfo Araujo Mondragón
https://organizacionmundialdeescritores.ning.com/profile/BenjaminAdolfoAraujoMondragon
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/8317905262?profile=original" rel="noopener" target="_blank"><img class="align-center" src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/8317905262?profile=RESIZE_710x"></img></a> ÚLTIMO TANGO EN PARÍS/ Bernardo Bertolucci (1972)…</strong></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/8317905262?profile=original" target="_blank" rel="noopener"><img src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/8317905262?profile=RESIZE_710x" class="align-center"/></a>ÚLTIMO TANGO EN PARÍS/ Bernardo Bertolucci (1972)</strong></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong>***</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>Esta gran película de Bertolucci me trae a la memoria, en libre asociación, el tema de otro gran film: El silencio, de Ingmar Bergman, de 1963. Bergman muestra en ‘El silencio’ cómo es el mundo cuando el silencio de Dios, sentido tan intensamente en su obra de los años cincuenta y sesenta, no se compensa con el amor, cuando entre los hombres no se establecen lazos de contenido humano.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>París es el escenario de Último tango en París, con su esplendorosa belleza y armonía arquitectónica. La capital francesa tiene el embrujo de sus calles y sus puentes, el brumoso colorido del aire con su fina lluvia, el romanticismo, el arte y la historia. Dentro de esa armonía de contrastes extraordinarios se desarrolla el escabroso tema de la soledad y el silencio de la obra de Bernardo Bertolucci, que en 1972 causó un escándalo en todo el mundo. Y esto se acentúa al presenciar a uno de los actores más enigmáticos del cine. Esta obra posee por sí sola la fuerza de un clásico debido a la interpretación de Marlon Brando, que rompe lo establecido. Su monstruosidad como actor es latente y trágica, muestra de ansiedad y desolación que nos recuerda su magna interpretación en Un tranvía llamado deseo.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>El tema de esta película nos ofrece la relación extraña de dos seres, completamente diferentes en edad, procedencia, educación y visión del mundo, que se encuentran en un apartamento vacío de la calle Jules Verne, en el barrio aristocrático de Passy, ofrecido en arrendamiento.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>Paul (Marlon Brando) está destrozado por una vida sin sentido, y la joven burguesa Jeanne (María Schneider) es una mujer ambiciosa, fácil y superficial. Comienzan ellos una comunicación solo a través del sexo, haciendo de su encuentro una especie de utopía, imposibilidad que los va aislando del mundo, de sus problemas personales, de todo lo establecido. Al principio Paul aparece como el espejo rasgado de todas las convenciones. Su encuentro con Jeanne lo afronta como un simple experimento: quiere una relación puramente sexual, plena y morbosa, donde no existan nombres que los ubiquen a un contexto social y psicológico.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>Lentamente Jeanne descubre que él es, en realidad, un hombre banal, víctima del dolor más brutal, crucificado por las circunstancias del suicidio de su esposa e incapaz de construir nada nuevo. La descomposición del ser humano y la juventud en incesante búsqueda se entrelazan en este relato de autodestrucción, pesimismo y miseria. De un lado tenemos a un hombre destruido que desea arrastrar a los demás en su autodestrucción; y del otro a una joven insegura que se deja seducir sin preguntas ni compromiso, en un terreno neutro, vacío de dudas y sentimientos. Así comienza en ambos un desgarramiento que desemboca en un foso emocional donde solo cabe la muerte tras el ocaso.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>Cuando Paul quiere intentar una renuncia a sus planteamientos iniciales, intentando convertir aquella relación en un amor convencional, Jeanne siente la necesidad de limpiarse, sufre un rechazo total hacia todo lo que han vivido dentro de la soledad y la incomunicación, y lo mata. Jeanne acaba de jugar a algo que ni ella misma comprende.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>El diálogo de la pareja resume el sentido de la relación entre ellos:</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>Le dice Paul a Jeanne: “Tú no tienes nombre y yo tampoco tengo nombre. No hay nombres. Aquí no tenemos nombre.” Y luego lo recalca: “No quiero saber nada de ti. No quiero saber dónde vives, ni de dónde eres. No quiero saber absolutamente nada de nada. ¿Me has comprendido? Aquí no hace falta saber nombre, no es necesario. ¿No lo comprendes? Venimos a olvidar, a olvidar todas las cosas, absolutamente todas. Olvidaremos a las personas, lo que sabemos, todo lo que hemos hecho. Vamos a olvidar donde vivimos, olvidarlo todo.”</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>Y Jeanne acepta el pacto. Todo quedará en los encuentros en el apartamento vacío, para desatarse en ellos la furia de la pasión sexual sin búsqueda ni hallazgo.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>Respecto del planteamiento del tema, dijo Bertolucci estas palabras:</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>"Último tango en Paris es un trabajo cargado de utopías, muy característico de los años setenta. Al principio quise hacer una película sobre la relación entre dos hombres......Quería probar que es imposible para dos seres humanos del mismo sexo reducir la soledad en solo animalidad. Durante el rodaje, me impidió la productora que fueran dos personajes masculinos, y opté por la pareja.... Pero sin embargo, me di cuenta de que estaba realizando una película sobre la soledad, es decir, lo contrario de lo que pretendía en un principio. Es el único film de todos cuantos he dirigido que tanto el guión, la improvisación de Brando y el resultado final, pudieron sobrepasar los límites de mi imaginación. Sin duda es mi mejor aportación al cine."</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>Después de muchas peripecias que viven en lugares distintos, se acerca la tragedia. Han bailado el último tango en un salón de burgueses que danzan al ritmo de un hermoso tema musical, y en ese momento Jeanne comprende su equivocación y se confunde y huye. Es perseguida por el amante y llegan a la casa de Jeanne. La insistencia de Paul nos muestra que ha sido vencido y quiere el amor que antes rechazó.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>En ese magnífico plano final, cuando Paúl se acerca a Jeanne, ella le dispara, y él tambaleándose, herido de muerte va lentamente hacia el ventanal, desde donde va a contemplar por última vez la bella ciudad del Sena. Pero ahora no ve el esplendor de París sino sus techos desiguales, acumulados en la parte posterior del edificio de la tragedia: el paisaje desolado del largo episodio de dos espíritus solitarios.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>Es una secuencia inolvidable del actor Marlon Brando mascando chicle. Sacándoselo de la boca, lo pega contra los hierros del balcón, ya en trance de morir y diciendo:</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>¡Te quiero y necesito saber tu nombre!</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>¡ Tu nombre...! Tu nombre !</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>La respuesta solitaria de Jeanne, de espaldas al cadáver de Paul, es una frase clavada en su vida: “No sé quien es; no conozco su nombre.”</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>Marie Schneider en el papel de Jeanne nos ofrece una convincente actuación de la mujer confusa y apasionada. Tras el choque inicial de identidades opuestas, él se agarra a lo único que le queda. Ella solo quiere desaparecer, mantenerse lo más lejos posible del territorio que él le marca.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>Después de decirse sus nombres solo queda el abismo de rendición y tristeza.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>La mujer abatida por la tragedia regresará a la vida convencional de su noviazgo con el cineasta Tom, que nunca sospechó la vida infernal que padeció Jeanne con Paul.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>La música de Gato Barbieri da esplendor a la cinta, con el jazz y las baladas que se presentan oportunamente como fondo del drama. Y hasta Mozart en su Sinfonía Concertante nos da un alivio en la sórdida aventura de dos seres desgarrados por la soledad.</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><strong>De esta gran película admiramos otra vez un Paris que está ahí, y viajaremos en un medio tenebroso, amarillento, escena tras escena. La obra de Bertolucci va desplegándose poco a poco, para convertirse en un bello lienzo cuyos colores nos penetran brutalmente y nos descubren el hondo misterio de la naturaleza humana.</strong></span></p>
LA GRAN BELLEZA (PELÍCULA SORRENTINO AÑO 2014)
tag:organizacionmundialdeescritores.ning.com,2020-11-01:2659438:Topic:5518278
2020-11-01T14:57:17.085Z
Benjamín Adolfo Araujo Mondragón
https://organizacionmundialdeescritores.ning.com/profile/BenjaminAdolfoAraujoMondragon
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/8100627667?profile=original" rel="noopener" target="_blank"><img class="align-center" src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/8100627667?profile=RESIZE_710x"></img></a></strong></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;"><strong>LA GRAN BELLEZA</strong></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;"><strong>(Paolo Sorrentino, 2014)…</strong></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/8100627667?profile=original" target="_blank" rel="noopener"><img src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/8100627667?profile=RESIZE_710x" class="align-center"/></a></strong></span></p>
<p style="text-align: center;"></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;"><strong>LA GRAN BELLEZA</strong></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;"><strong>(Paolo Sorrentino, 2014)</strong></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;">****</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">El director nos presenta una obra de una estructura con matices poco comunes, un modelo de personaje principal casi desconocido y una intención que se podría juzgar como ambiciosa.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">La trama narrativa no es compleja. En esta homogeneidad yace su extrañeza: la igualdad de la masa humana en actitud repetida por la sociedad corrompida. La falta de linealidad es una herramienta casi desconocida por el público de hoy. La cámara de Sorrentino funciona como un medio de proyección de la experiencia y conciencia de un escritor relajado y vicioso, cuyo escenario es una hermosa Roma contemporánea. El director hace desaparecer su cámara mientras nos sumerge en la mente de este hombre.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">La posmodernidad se puede definir como una categoría del ser presente en la humanidad contemporánea. También es un principio de análisis en tanto nos permite estudiar el consciente colectivo y social. Al ser una esfera moral y cultural, la mentalidad posmoderna se hace presente en diversos filmes, varias problemáticas propias de la época posmodernista.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Esto es relevante porque el filme en cuestión es un excelente sumario de los fantasmas, rupturas, desconciertos e ironías de la cultura y sociedad actual, y representa su más nueva corrupción: el desinterés.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Jep Gambardella (Toni Servillo), un periodista y escritor de una única novela de culto, reflexiona a sus 65 años recién cumplidos, permanente cigarrillo en la boca y copa en la mano, sobre su frívola y banal existencia en la que ha llegado a ser el rey de los mundanos y decide que ha llegado a un punto en el que ya no va a hacer más que aquello que quiera hacer. Destello de lucidez en medio del infierno, conciencia de la trágica inconsistencia de la vida, donde los pocos sentimientos auténticos que surgen nos deslumbran como fogonazos en la noche, en medio de un desfile de patéticos personajes tan repulsivos y humanos como cualquiera de nosotros.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">El personaje principal es el paradigma ficticio del hombre posmoderno. Se ríe irónicamente de sus fracasos y de su vida vacía y superficial, pero no la ignora. Lejos de encontrarnos en un estado de inocencia, conocemos (así como el personaje Jep) nuestros defectos y nuestra decadencia, y ya no intentamos eliminarla como trataron de hacer otros – quienes construyeron utopías imaginarias que resultaron en catástrofes. Nosotros abrazamos nuestra ineptitud, nos apropiamos del vacío de nuestra alma.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Jep se ríe irónicamente de una Roma que se destruye noche tras noche; lo hace de sus compañeros que viven lo efímero y buscan el placer; se mofa de su propia insustancialidad: no se desespera, no busca una solución pues sabe que no la hay. Ante la última de las decepciones solo queda reír, observar este vacío y no llorarlo, sumergirnos en él y desentendernos de todo sufrimiento.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Es en la ambigüedad del valor que concedemos a lo sencillo o lo complejo según sea el casos donde se dilucida la sabiduría que nos transmite La gran belleza.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Sorrentino parece diferenciar claramente la banalidad, cuando es solo banalidad, de lo cotidiano verdadero. En cierto modo, es como si su ampuloso aparato retórico, finalmente, nos viniese a transmitir que la belleza cinematográfica es lo contrario a ese ampuloso aparato retórico. La película sirve para expresar el valor de la simplicidad.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;"><strong>LA GRAN BELLEZA (Desarrollo)</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">El personaje de Toni Servillo es un tipo ligero y sin ataduras. Es amado por sus compañeros, deseado por las mujeres, respetado por la misma Roma. Su actitud carga siempre con una buena onda inherente e injustificada: una máscara en respuesta a la superficialidad. El genio de Sorrentino recae en la fabricación de un retrato hermoso de esta moral de vida. El vacío posmoderno es pincelado en esta hermosa obra de arte. Sin embargo, el alcance de este filme no muere ahí.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Como su título indica, Jep busca la Grande Bellezza. Reivindica su alma en ese último acto de purificación. Después de todo, como él dice, es un hombre sentimental, y su objetivo en la vida es encontrar y apreciar la belleza del mundo. Pero Jep solo se topa con una belleza insuficiente. El hueco de su interior nunca queda complacido, y esta búsqueda no termina hasta que él encuentre aquello que posea la máxima belleza y que lo restituya de su vacío.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Excelentísimo retrato de un hombre roto, pluralizado y ambiguo: Jep somos todos en esta sociedad donde el ideal ha muerto y lo único que queda es sonreír irónicamente ante su muerte.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;"><strong>ASPECTOS ESPECIALES DE LA PELÍCULA</strong></span><br/> <span style="font-size: 14pt;">En La gran bellezza, la evocación de su primer amor impulsa al personaje Jep Gambardella a cuestionarse a sí mismo sobre sus prioridades, sobre la base de su realidad y sobre lo que considera fundamental para su vida ¿Será que el escritor se ha olvidado del amor? ¿Por qué no ha vuelto a publicar un libro?</span><br/> <span style="font-size: 14pt;">Mientras mueve las piezas de su interior, el protagonista choca con sus iguales y los increpa con un cinismo brillante. Les da a entender así, que su vida labrada con excesos y pretensiones, no les hace mejor que nadie.</span><br/> <span style="font-size: 14pt;">Al contrario, esto le permite ir descubriendo que la triste realidad de esos políticos, intelectuales y empresarios que comparten con él a diario, no es nada envidiable. A pesar de tener riqueza, mucha riqueza, por dentro las miserias y los demonios los golpean como a nadie más. Y en él no ocurre nada distinto.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">La obra La gran belleza, tiene a la fotografía como juego, y un papel supremo que no podía ser distinto considerando la ambientación de la majestuosa capital italiana. Adentrarse en Roma a través de este largometraje, es un placer incómodo. Los lugares comunes de esta ciudad se vislumbran desde otra perspectiva: una Plaza Navona vacía, sin turistas; un Coliseo que no sorprende, que se esconde.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Sorrentino es capaz de mostrar el silencio de una capital usualmente ruidosa; la quietud de una mil veces visitada metrópoli… lo único que rompe con esta sosegada bellezza es, precisamente, las escandalosas fiestas que se viven en casa de Gambardella. En ellas, el alcohol, la comida, el sexo y la música se descontrolan, las exuberancias alejan a los personajes de la majestuosidad que se encuentra a escasos metros de su celebración.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Este contraste finalmente toma vuelo cuando Jep Gambardella asume que es incapaz de llevar una vida distinta, que no se atreve a conocerse realmente a sí mismo, ni siquiera a explorar aquello que ronda su mente desde lo intelectual. Entonces, el escritor elige seguir naufragando en ese recuerdo y en esa ilusión, un mar que ya no está, una carrera literaria que pudo ser y no será.</span><br/> <span style="font-size: 14pt;"><strong>“Y TODO ES UN TRUCO” (PALABRAS FINALES DEL PERSONAJE)</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;"><strong>******</strong></span></p>
EL SÉPTIMO SELLO / INGMAR BERGMAN. (PELÍCULA 1957)
tag:organizacionmundialdeescritores.ning.com,2020-08-17:2659438:Topic:5471950
2020-08-17T20:52:08.055Z
Benjamín Adolfo Araujo Mondragón
https://organizacionmundialdeescritores.ning.com/profile/BenjaminAdolfoAraujoMondragon
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/7504651892?profile=original" rel="noopener" target="_blank"><img class="align-center" src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/7504651892?profile=RESIZE_710x"></img></a> "EL SÉPTIMO SELLO"</strong></span><br></br> <span style="font-size: 12pt;"><strong>INGMAR BERGMAN, 1957</strong></span><br></br> <span style="font-size: 12pt;"><strong>*****…</strong></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/7504651892?profile=original" target="_blank" rel="noopener"><img src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/7504651892?profile=RESIZE_710x" class="align-center"/></a>"EL SÉPTIMO SELLO"</strong></span><br/> <span style="font-size: 12pt;"><strong>INGMAR BERGMAN, 1957</strong></span><br/> <span style="font-size: 12pt;"><strong>*****</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Antonius Block es un caballero que acaba de volver de la Cruzada junto a su escudero Jöns; ambos llegan a su tierra natal, Suecia, que está devastada por la peste negra.</span><br/> <span style="font-size: 12pt;">El caballero va a confesarse y se enfrenta a una figura encapuchada que se distingue a través de una rejilla de hierro. En la confesión, el caballero declara: <strong><em>“Mi indiferencia me ha alejado de todo, vivo en un mundo de fantasmas, soy un prisionero de los sueños. Quiero que Dios alargue su mano, muestre su rostro y me hable…”</em></strong> La figura encapuchada se gira y se trata con la muerte, ha estado siguiendo al caballero en su viaje de regreso a casa.</span><br/> <span style="font-size: 12pt;">Al comienzo de la película, Block reta a la Muerte a una partida de ajedrez para intentar salvar su vida: si le gana, no tendrá que irse con ella. El séptimo sello gira en torno a los encuentros entre estos dos personajes, Block y la Muerte, quienes mantienen conversaciones sobre la existencia de Dios, su silencio, el sufrimiento, el sentido de la vida… Estos temas acentúan la atmósfera apocalíptica que tiene toda la película, siendo la principal materia el silencio de Dios, su ausencia y el desamparo del hombre solitario.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Toda la filmografía de Ingmar Bergman posee una carga filosófica y religiosa que la distingue del resto, al mismo tiempo que la vincula con el cine nórdico anterior. Bergman, director de cine sueco es conocido por películas como El manantial de la doncella, Persona, Fanny y Alexander y El séptimo sello, comparada por el crítico Nils Beyer con La pasión de Juana de Arco.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El séptimo sello comenzó a idearse a partir de Pintura sobre madera, una obra que Bergman escribió inspirándose, entre otras, en la representación de la Muerte que aparecía en el mural de una iglesia.</span><br/> <span style="font-size: 12pt;">En el film hay múltiples referencias a estas imágenes así como al libro del Apocalipsis de San Juan. La película se filmó con mayor frecuencia en un estudio de rodaje sueco con espacios interiores y exteriores. El rodaje duró treinta y cinco días y, como dice Bergman, <em><strong>«arrastra sus locuras y se vislumbra la prisa»</strong></em>, pero es una de las películas a las que más cariño guardaba. Además, la realizó cuando su fe todavía no se había resquebrajado del todo, según confiesa: <em><strong>«En aquella época todavía me quedaban algunos raquíticos restos de mi devoción infantil, una idea absolutamente ingenua de lo que se podía llamar una salvación que no es de este mundo».</strong></em></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">La composición de la imagen es más reposada que dinámica. Se prefieren los cambios de plano antes que el movimiento de la cámara, por lo que estos son empleados en momentos puntuales para dotar de dramatismo o acción a la escena, pero no como algo recurrente.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Un aspecto importante de la película son sus personajes. Antonius Block es un caballero repleto de dudas y ansias de saciar sus inquietudes. Necesita encontrar un sentido a su vida que le acerque a Dios. Block representa el caballero de la fe de Søren Kierkegaard, el existencialismo más desesperado que muestra el temor a la muerte y al silencio de Dios, quien no da respuesta a todas sus dudas. El conflicto entre razón y fe que tortura al personaje recuerda al que presenta Miguel de Unamuno en su libro Del sentimiento trágico de la vida: <em><strong>«Razón y fe son dos enemigos que no pueden sostenerse el uno sin el otro»</strong> (Unamuno, 1986).</em> Para el filósofo, ambas deben servir a la búsqueda de la inmortalidad del hombre, la misma búsqueda que hace Block: <strong><em>«Nadie es capaz de vivir con la Muerte ante sus ojos y creyendo que todo ha de desembocar en la nada más absoluta»</em>,</strong> le dice a la Muerte, subrayando la idea de Unamuno del «inmortal anhelo de inmortalidad». Otro paralelismo se da también entre Block y su escudero Jöns, quienes se pueden relacionar con el Don Quijote de la Mancha y el Sancho Panza que Unamuno presenta en su libro Vida de don Quijote y Sancho, el primero como el caballero de la fe kierkegaariano y el segundo como un materialista sin inquietudes religiosas que solo se preocupa por los problemas terrenales. No debemos olvidar que Bergman fue un ávido lector del filósofo español y que se sintió muy inspirado por su obra.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Otros personajes importantes son la pareja de acróbatas Mia y Jof, con su bebé Mikael, que viajan en su carreta de pueblo en pueblo para hacer actuaciones. Esta familia es el único ejemplo de verdadero amor que hay en toda la película. Se aman entre ellos y también aman y tratan con hospitalidad a todo aquel que se les acerca, como ocurre con Block y Jöns y también con el herrero y su mujer, a quienes invitan a comer. Mia, Jof y Mikael son la representación de la Sagrada Familia de Nazareth: Mia es traducido como María y Jof como José.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Tiene mucha importancia el personaje de la Muerte. Es la mayor representación que se hace en la película a través de la personificación. La muerte tiene forma de hombre con el rostro blanco y túnica negra. No es la única figura retórica que aparece en la película: también hay una comparación entre la peste que asola Suecia y el temor a una bomba atómica propio de la década de los cincuenta, tras la Segunda Guerra Mundial.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Hay varios planos y escenas que deben ser destacados porque han supuesto un hito para la historia del cine, como la apertura de la película. En ella se pasa de una pantalla en negro a la imagen de un cielo nublado apocalíptico, donde un águila negra planea en el aire. Esta estampa es acompañada por un coro que canta el Dies irae de un réquiem, lo que deja patente el tono fúnebre y oscuro en el que se moverá la película. En esa misma escena se produce el primer acercamiento entre la Muerte y Antonius Block. Su segundo encuentro tiene lugar no mucho después, en una capilla, cuando Block acude a un monje para confesarse. Con él desahoga todas sus inquietudes religiosas, sus dudas sobre la existencia de Dios, sobre lo que hay después de la muerte y el sentido de la vida. No quiere morir hasta haber satisfecho sus preguntas, pero Dios no le da una respuesta. Aquí aparece de nuevo el tema principal de la película: el silencio de Dios.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Otro aspecto a destacar del largometraje son las imágenes de desolación, de cadáveres y violencia que se ven constantemente. Durante la actuación de Jof y Mia aparece una procesión de penitentes con peste. Todos salmodian un réquiem y llevan pesadas cruces o se fustigan la espalda para aplacar la ira de Dios. También asistimos a la quema de una muchacha que ha sido acusada de brujería.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">La última escena de la película ha sido una de las más recordadas. En la primera parte de la misma encontramos a Block y a Jöns en casa del caballero con sus respectivas mujeres y la pareja del herrero. Los seis aguardan la llegada de la Muerte, a la que no han podido evitar a lo largo del viaje. Por fin hace acto de presencia y todos, en pie, la miran fijamente tratando de afrontar lo que viene a continuación. Por primera vez en toda la película, la interpretación de los actores cambia del naturalismo con el que han interpretado las escenas anteriores a un estilo más cercano al teatro dialéctico del dramaturgo Bertolt Brecht, donde los personajes no se miran entre ellos al hablar, sino que permanecen rígidos, sin dramatización. En la segunda parte de la escena vemos a la muerte llevándoselos en un baile que recuerda a una Danza de la muerte medieval. Esta última parte surgió cuando todos los actores habían terminado su jornada laboral. Así lo describe Bergman: <em><strong>«Era tarde, habíamos recogido todo, se acercaba una tormenta. De repente vi una extraña nube. Gunnar Fischer —director de fotografía— sacó la cámara […]. Unos cuantos ayudantes y algunos turistas bailaron en su lugar [de los actores] sin tener ni idea de lo que se trataba. La imagen que iba a hacerse tan famosa se improvisó en unos minutos».</strong></em></span><br/> <span style="font-size: 12pt;">Si tuviera que elegir un punto clave de la película, sin duda alguna escogería esa imagen de los personajes a contraluz bailando al son de la Muerte, que encabeza la marcha, según narra la voz en off, con una guadaña en la mano y un reloj de arena en la otra.</span></p>
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<p><span style="font-size: 12pt;"> ALEJO URDANETA</span></p>
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EL HUEVO DE LA SERPIENTE (PELÍCULA DE INGMAR BERGMAN)
tag:organizacionmundialdeescritores.ning.com,2020-08-11:2659438:Topic:5468079
2020-08-11T19:54:36.500Z
Benjamín Adolfo Araujo Mondragón
https://organizacionmundialdeescritores.ning.com/profile/BenjaminAdolfoAraujoMondragon
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/7414703095?profile=original" rel="noopener" target="_blank"><img class="align-center" src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/7414703095?profile=RESIZE_710x"></img></a></strong></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;"><strong>EL HUEVO DE LA…</strong></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/7414703095?profile=original" target="_blank" rel="noopener"><img src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/7414703095?profile=RESIZE_710x" class="align-center"/></a></strong></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;"><strong>EL HUEVO DE LA SERPIENTE</strong></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 14pt;"><strong>****</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Es la película más terrible de Bergman e incluso de las que se acercan al tema del nacimiento del nazismo; no hay apenas violencia física, pero mucha psicológica. Todo contribuye a crear un clima inhumano: los colores fríos, las calles desiertas, las sombres humanas, la pareja de ancianos descuartizando un caballo en plena vía pública para poder comer carne, y especialmente la descripción del hombre como un error genético, cuyas aberraciones son difíciles de evitar. Planos psicológicos y políticos se combinan para crear este clima que llega mucho más lejos de lo que lo haría una cinta comprometida del género.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">El título de la película se refiere a que se puede ver a través de la cáscara transparente del huevo de la serpiente, la gestación de la pequeña culebrilla insignificante que llega a resultar graciosa e inspirar la compasión. Por eso, cuesta tanto destruirlo en esa fase e impedir su nacimiento. Pero una vez eclosiona y sale del huevo, ya es demasiado tarde, el mal ya está hecho y nadie puede pararlo, y su poder de destrucción va creciendo.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Berlin 1923, fecha del golpe de estado frustrado de Hitler. Los alemanes viven unos momentos muy difíciles, presas del terror, el hambre y la desesperación. Abel Rosenberg (David Carradine), americano, regresa a la pensión, donde vive con su hermano Max, y lo encuentra muerto en el suicidio. Abel, Max y su esposa Manuela (Liv Ullmann) habían formado un trío de trapecistas en el circo, pero un accidente inhabilita a Max y deberán buscarse otro modo de vida. En torno a Manuela deambula un científico, Hans Vergerus, antiguo conocido de ambos hermanos. El cerco se irá estrechando en torno a Abel, judío, y deberá incluso matar para sobrevivir.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Según Miquel Porter-Moix (1977), Bergman reflexiona sobre la posibilidad de destrucción total de las capacidades humanas a partir de una locura provocada artificialmente que abre el camino al nazismo. Es el mito del doctor diabólico, parte del Doctor Mabousse, que actúa en persona ayudado por criminales que le siguen debido a un conjunto de deseos, temores, hipnosis, carisma, manipulación.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Se ha recriminado a Bergman la humillación y el terror sobre individuos aislados en terror y humillación universales. Siempre que intenta explicitar un referente histórico de sus films, dicho referente acaba siendo anulado por el peso de unas connotaciones ideológicas que lo desbordan: la guerra concreta se convierte en una guerra abstracta.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Cuando el autor Bergman habla del presente, no está haciendo una crítica al sistema capitalista imperante y al resurgimiento del nazismo en su seno, sino reflexionando sobre algo más eterno y metafísico: la condición humana en abstracto, y esta reflexión puesta en boca de un médico mabusiano niega toda posible dialéctica histórica. La pregunta sería hasta dónde se debe remontar uno en la historia de Alemania llamada "ascensión del fascismo". El personaje Abel Rosenberg, perdido entre la multitud ciudadana, cuya imagen triste y aterrada abre y cierra el film, se convierte en el judío universal, el judío errante. En un contexto sombrío en el que el huevo de la serpiente ya ha sido inoculado, en el que el arte se manifiesta a través del grito de Munch, los dibujos de Grosz o el cine de terror de Frizt Lang, el film plantea tres puntos para el debate:</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">El nazismo como pesadilla cinematográfica del artista sensible, mediador de la pequeña burguesía, víctima social de la serpiente.</span></p>
<p><span style="font-size: 14pt;">Malestar social manifestado a través de la neurosis individual: Rosenberg intentando romper su propia imagen.</span><br/><span style="font-size: 14pt;">Contradicción entre el sujeto existencial, que se reconoce en el espejo, y el sujeto histórico que se siente observado por la cámara tras el espejo. El paso de lo imaginario (dual-especular) a lo simbólico, que incluiría a un tercero que observa, devolviendo al personaje a su individualidad</span><br/><span style="font-size: 14pt;">En El huevo de la serpiente, la historia es percibida como una pesadilla de la que resulta imposible despertar. La sensación de miedo e inseguridad que permance es tan grande, que es difícil desprenderse de estos sentimientos.</span></p>
PORTERO DE NOCHE / Liliana Cavani (1974)
tag:organizacionmundialdeescritores.ning.com,2020-01-15:2659438:Topic:5402462
2020-01-15T13:32:24.385Z
Benjamín Adolfo Araujo Mondragón
https://organizacionmundialdeescritores.ning.com/profile/BenjaminAdolfoAraujoMondragon
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3820457109?profile=original" rel="noopener" target="_blank"><img class="align-center" src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3820457109?profile=RESIZE_710x"></img></a> PORTERO DE NOCHE / Liliana Cavani (1974)…</strong></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3820457109?profile=original" target="_blank" rel="noopener"><img src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3820457109?profile=RESIZE_710x" class="align-center"/></a>PORTERO DE NOCHE / Liliana Cavani (1974)</strong></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong>***</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El film de Liliana Cavani, al igual que otras obras de marcado signo erótico traumático, revela la relación entre dos personajes que han vivido, cada uno en situación opuesta, una relación sadomasoquista en la segunda post guerra mundial.</span><br/><span style="font-size: 12pt;">Max (representado por Dick Bogarde) ha sido un funcionario del Tercer Reich, y desempeñó funciones de vigilancia y terror sobre prisioneros judíos. Entre sus víctimas se hallaba Lucía (en una magistral actuación de la inglesa Charlotte Ramplion). En la reclusión a la que somete a los prisioneros, Max entabla una relación de opresión sexual con ella, indefensa ante los abusos de su captor.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">La intensidad de la situación en que se encuentran los dos personajes principales (Max y Lucia), muestra la tensión que generan a partir de la definición de sus roles en los que se identifican claramente opresor y oprimido, y en los que es evidente el estado de indefensión absoluta de Lucia. Cuando terminan las escenas de la reclusión en guerra, el espectador siente un alivio al creer que el suplicio de Lucía ha concluido.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Max es ahora el portero nocturno de un hotel de Berlín al que llega Lucía con su esposo. Se reconocen de inmediato y surge en ellos un sentimiento confuso de amor y repulsión al evocar las torturas infligidas por el carcelero. Se buscan y se presenta una relación pasional entre verdugo y víctima, conocida en psicología como el síndrome de Estocolmo. Ahora nace en ellos una atracción en la que renace el recuerdo de los castigos de la tortura, y presenciamos el giro inesperado de la trama en la situación de enamoramiento de los personajes, para llegar al punto de cambiar sus roles y sufrir ambos, alternativamente, el abuso sexual que Max impuso a Lucía durante el cautiverio. Ahora Max padecerá el castigo del desprecio al cuerpo, y Lucía es la victimaria que lo somete al escarnio del sometimiento.</span><br/><span style="font-size: 12pt;">En ese largo episodio de amor y castigo, ellos no tienen en cuenta el pasado ni el futuro: están aislados en una cápsula de sexo y humillación mutua, despojados de sus prejuicios, en la insaciable búsqueda del amor y el erotismo. Son fieles servidores de sus instintos, y ya no importan religión, edad, nacionalidad, política. Sólo ellos encerrados en su delirio.</span><br/><span style="font-size: 12pt;">El filme de Liliana Cavani fue criticado por su crueldad innecesaria, y se le comparó con “El último tango en París” (Bertolucci, 1972), por su expresa definición tormentosa y la directa presentación de las escenas de degradación a que se somete la pareja.</span><br/><span style="font-size: 12pt;">La iluminación proporciona el ambiente siniestro que nace del encuentro de Max y Lucía. Desde el comienzo va prefigurándose la aparición de la tragedia y del dolor en el cuarto del hotel. El constante flash back que sirve de relato temporal del episodio, y también la locación de las cámaras hacen contantes planos cerrados sobre los rostros de los personajes. La música juega un papel importante para resaltar intencionalmente las situaciones de la extraña relación: Ópera y una melodía sensual que se destaca en el baile de Lucía, semidesnuda y trajeada de militar, para acentuar el tema del drama.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Hasta en el abandono que hace Lucía de su esposo apreciamos el sadismo que la domina, para dar sufrimiento y sentir la culpa.</span><br/><span style="font-size: 12pt;">Es una obra abierta a la interpretación. En la relación sexual que pretende hacerse amorosa, destellan los arquetipos del verdugo y la víctima, del amante fiel sometido y la mujer amorosa y castigadora.</span><br/><span style="font-size: 12pt;">Y amante y portero de noche son una sola entidad humana.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Sigue vigente el tema, no obstante que fue calificada como una obra de menor calidad.</span></p>
BLOW UP (Deseo de una mañana de verano) / Michelangelo Antonioni
tag:organizacionmundialdeescritores.ning.com,2019-12-29:2659438:Topic:5395648
2019-12-29T10:45:17.622Z
Benjamín Adolfo Araujo Mondragón
https://organizacionmundialdeescritores.ning.com/profile/BenjaminAdolfoAraujoMondragon
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<p style="text-align: center;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3792226516?profile=original" rel="noopener" target="_blank"><img class="align-center" src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3792226516?profile=RESIZE_710x"></img></a> <span style="font-size: 12pt;">BLOW – UP</span></strong></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong>DESEO DE UNA…</strong></span></p>
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<p style="text-align: center;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3792226516?profile=original" target="_blank" rel="noopener"><img src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3792226516?profile=RESIZE_710x" class="align-center"/></a><span style="font-size: 12pt;">BLOW – UP</span></strong></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong>DESEO DE UNA MAÑANA DE VERANO/Michelangelo Antonioni</strong></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong>1966</strong></span></p>
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<p><span style="font-size: 12pt;">&&</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Cuando apareció en pantalla BLOW- UP (1966), Antonioni había abandonado su tendencia intimista que desarrollaba la crisis de los sentimientos y las relaciones desesperadas. La trilogía constituida por La Aventura, La Noche y El Eclipse, tratan de la incomunicación de la pareja y la soledad, en ambientes desolados y el contraste del blanco y negro. Ya con esas obras podía calificarse a Michelangelo Antonioni como un director moderno.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El cuento de Julio Cortázar: Las babas del diablo sirvió de tema argumental de esta película que comentamos. En el cuento de Cortázar apreciamos la vida y la experiencia de un fotógrafo de París. Michel, que sin pretenderlo y mientras toma imágenes de la ciudad, en la Isle de Saint Louis, capta el intento de violación y quizás muerte de un niño en un parque. Los autores del crimen por cometerse son un hombre y una mujer.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Antonioni tomó lo esencial del episodio para trazar una visión de Londres en la década de los años 60. Es la época de una vida festiva y dominada por una juventud agresiva, con tendencia hacia lo que se ha denominado “Kitsch”, para denotar esnobismo y vulgaridad, con evidente diletantismo cultural.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El fotógrafo de Blow up (David Hemmings), que aparece con el nombre de Thomas, aún cuando en ningún momento sea nombrado en el film, carece de la actitud moralista de Roberto Michel, el fotógrafo diletante de Cortázar, y por consiguiente rehúsa intervenir en la historia. El personaje de la película es un joven que participa de los hábitos adquiridos de esa nueva juventud, y es también fotógrafo, generador de imágenes. Thomas va a un parque de Londres y ve a un hombre y una mujer que parecen pelear. Toma muchas fotos de la pareja y en el trance es visto por la mujer, que lo persigue para quitarle el negativo. Ella lo alcanza en el estudio y Thomas le entrega un rollo equivocado y revela las fotografías que había tomado de la pareja en el parque.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">En su cuarto de trabajo obtiene las imágenes y observa – observamos – que en el fondo borroso van definiéndose las figuras de la pareja, y parece estar un hombre en el suelo. Vuelve al parque y ve al hombre muerto. O quizás cree haber visto a un hombre muerto en el suelo.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Las babas del diablo, el cuento de Cortázar que es el tema argumental del film, nos enfrenta al fotógrafo Michel después de revelar los negativos del rollo de película. Ha visto en el parque a la pareja que envuelve al niño para atraerlo y toma las fotografías para desentrañar el sentido del episodio. Capta un sentido oculto y siniestro en el asedio que hacen al niño</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El fotógrafo recorta la realidad en un principio, y luego no sabrá enfrentarse a ella con el desarrollo de la historia. Tal es la trama misma de la película.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Antonioni habló de la fuente de su creación cinematográfica: ¨La idea de Blow up me vino al leer un breve relato de Julio Cortázar. No me interesaba tanto el argumento como el mecanismo de las fotografías. Descarté aquel y escribí uno nuevo, en el que el mecanismo asumía un peso y un significado diversos.”</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">&</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">La década de 1960 removió el sentido de la poesía, para hacerla más íntima en la busca del hombre y sus conflictos. El arte reflejó esa tendencia en todas sus expresiones, y en ellas observamos la ambigüedad como centro de los actos humanos en sociedad.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">La estructura de muchas de las películas de Antonioni nos muestra narrativamente el deseo de indagar aspectos de lo real que tienden a sustraerse continuamente, contra aquellos que persiguen la claridad de la obra con un sentido unívoco. No se acepta a priori la ambigüedad.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">En Blow-up apreciamos la ambigüedad, que es la misma que predomina en el cuento de Cortázar que sirvió de tema argumental de la película. Es el conflicto, más o menos declarado, entre la ambición de un todo visible y la búsqueda de una verdad escondida en las cosas y en los personajes (como el cadáver de Blow-up, que aparece y desaparece sin que se aclare nunca su existencia efectiva).</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Antonioni eligió la discontinuidad, igual que el correr de la vida, y desechó la lógica de la causalidad: Un rechazo a la coherencia tradicional en el cine y las letras, porque se afinca más en los personajes que en los hechos que se narran.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Ese es el montaje artístico de Blow-up. El cineasta prefiere la discontinuidad, más cercana al correr de la vida, antes que la lógica de la causalidad. Esta tensión entre el rechazo de la coherencia tradicional y la tendencia a envolver a sus personajes, mucho más interesada por las influencias de los hechos en aquéllos que por los hechos mismos, es lo que lo llevó a ser el gran creador de la imagen que fue.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Es conveniente destacar que en ambas obras: El cuento de Cortázar y la película de Antonioni, el suceso narrado no es el objetivo de tales creaciones. Es la situación del narrador o del protagonista ante los sucesos que les toca vivir. Thomas vive atrapado en el tedio o el disgusto, y se lanza a la calle para mezclarse con su ambiente de alborozo fingido. La acción, como dijimos, se desarrolla en Londres. Es la época de la revolución en el vestir, el predominio de la imagen, las primeras manifestaciones juveniles. En el andar sin propósito por la ciudad se enfrenta al suceso que recoge en su cámara de fotografía. Allí comienza para el protagonista, y también para el espectador, el choque ambiguo entre la realidad y la apariencia. Un cadáver que está y luego desaparece, visto en una fotografía ampliada que produce más confusión al cotejarla con la experiencia guardada en la memoria.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Ocurre algo semejante al fotógrafo de Las babas del diablo, cuento que nos narra una acción abominable que pudo haber ocurrido pero que el narrador revierte para que no se haya producido. El título del cuento: “Las Babas del Diablo”, cuyo significado es el mismo que lo que conocemos como “hilos de la Virgen”, es ya un símbolo poético. Son aquellos pequeños hilos que flotan al viento y sobre los cuales ciertas arañas se lanzan al aire libre y hasta al huracán, livianos estambres que navegan hacia el espacio desconocido. Las posibilidades se entrecruzan en este cuento, igual que en el poema, como un miedo frío en el espectador del suceso narrado, para dar un final alucinante, abierto como la misma posibilidad. El sentido ambiguo y contradictorio de este cuento es la visión del narrador (¿el hombre, la cámara de fotografía, el tiempo?) que trata de apresar algo más allá de la realidad. Intención poética dicha sin la expresa construcción del poema (¿o quizá con ella, en forma implícita?), apertura a un estado desconocido y paralelo a la conciencia.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Problematización, pudiera ser la palabra que determina el significado tanto de Blow- Up como del cuento que inspira la película de Antonioni. Las situaciones en ambas obras se prestan a múltiples interpretaciones y conclusiones: Movilidad – inmovilidad, necesidad de catarsis mediante la narración, valoración de la expresión poética como acceso a una realidad superior. La ambigüedad dirige las acciones y episodios de los protagonistas.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">La obra de Michelangelo Antonioni se balancea entre realidad y sueño, y Blow-up concluye como un sueño. Ya hemos visto que el fotógrafo Thomas no se relaciona con los demás. Su cámara fotográfica puede ser el acercamiento capaz de mostrar lo oculto. Todo es efímero, como el final de la obra: Thomas regresa al parque y se encuentra a unos jóvenes con la cara pintada de blanco. Juegan al tenis con una pelota imaginaria, y Thomas sigue el juego y simula ver la pelota. Escuchamos el golpe de las raquetas. Entonces ocurre la escena con la que concluye la obra, como si todo hubiese sido un sueño: El fotógrafo se va caminando sin rumbo por la hierba y desaparece, igual que el cadáver que había visto y luego no estaba más.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El autor de esta gran película describió la desaparición de su personaje asemejándolo a los agonistas del drama de Shakespeare: La tempestad. Ellos también son espíritus en la escena.</span></p>
LA MÚSICA DEL SILENCIO Y EL GENIO DE CHAPLIN
tag:organizacionmundialdeescritores.ning.com,2019-12-09:2659438:Topic:5388742
2019-12-09T12:00:41.189Z
Benjamín Adolfo Araujo Mondragón
https://organizacionmundialdeescritores.ning.com/profile/BenjaminAdolfoAraujoMondragon
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong>LA MÚSICA DEL SILENCIO Y EL GENIO DE CHAPLIN</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El texto que presento es traducción libre del francés, recreada por mí mismo a partir de la obra: “Chaplin”, del escritor </span><span style="font-size: 12pt;">y crítico de cine Robert Benayoun (1926 – 1996, París).</span><br></br> <span style="font-size: 12pt;">Fue reconocido como jurado del Festival de Cannes de 1980. Escribió,…</span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong>LA MÚSICA DEL SILENCIO Y EL GENIO DE CHAPLIN</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El texto que presento es traducción libre del francés, recreada por mí mismo a partir de la obra: “Chaplin”, del escritor </span><span style="font-size: 12pt;">y crítico de cine Robert Benayoun (1926 – 1996, París).</span><br/> <span style="font-size: 12pt;">Fue reconocido como jurado del Festival de Cannes de 1980. Escribió, además de la obra sobre Chaplin, libros dedicados a Woody Allen, Buster Keaton, los hermanos Marx y Alain Resnais. Fue director y guionista de cine.</span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong>&&&</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El genio de Charles Chaplin es tan multiforme que se ha llegado a considerar su arte de músico con indulgencia. Con el tiempo hemos llegado a comprender que la música que compuso para su obra cinematográfica es parte integral de su creación como cineasta.</span><br/> <span style="font-size: 12pt;">No estamos ante una creación accidental de un trémolo, aunque reconozcamos su belleza lírica o sísmica que nos revela al personaje de sus filmes. Es, por el contrario, un elemento clave en la obra.</span><br/> <span style="font-size: 12pt;">La música que Chaplin ha escrito después para algunos de sus filmes mudos, a veces muchos decenios después de la creación original, constituye el viejo anhelo de mantener la actualidad de la obra, para verla rejuvenecer día a día con el apoyo actualizado por la pista sonora, en un mundo paralelo inaccesible, que ya tenía su propio modo de expresión muda: Un SHANGRI-LA de eterna juventud.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Charlot toma de nuevo sus películas mudas, las renueva sin maquillarlas, sin confrontarlas con el mundo de hoy ni hacerlas arbitrariamente actuales. No hay adaptaciones de la obra existente, y lo que ha ocurrido es una profundización del conjunto cinematográfico. El artista no modifica la obra; sólo le da mayor fuerza expresiva.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Esa música que se incorpora a la obra silente responde, a través de los años, a la expresión de una música interior poderosa, la misma que representaba al mimo de ayer y al de más allá, con la misma filosofía de siempre. Todo en Chaplin es musical.</span><br/> <span style="font-size: 12pt;">Chaplin fue un gran danzante, quizás lo fue más que un actor de carácter.</span></p>
<p></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Es posible estudiar la coreografía de sus películas y las veremos entonces como arte del Ballet, sean alegres o burlescas, sublimes y etéreas: Dejan siempre la certidumbre de un movimiento cumplido. No danza únicamente Charlot en su cabaña de Alaska, con los panes y los tenedores, sostenida la danza en el ritmo de la polka. Podemos ver allí a las zapatillas de las bailarinas de Degas, en vez de los panes y los tenedores.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">En muchos de sus filmes está presente Charlot danzarín: En Luces de la ciudad, en El Gran Dictador, con el globo terráqueo, o La Condesa de Hong-kong. Danza siempre Charlot.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Un crítico de cine dijo que Chaplin era el mejor bailarín del mundo… “Si lo atrapo, lo estrangularé con mis propias manos.”</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">En su inspiración como en los filmes en sí mismos, la sentimentalidad permanece al lado de la ironía, la crueldad, o la risa que estalla involuntariamente en el espectador.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Charlot es un viejo actor de teatro burlesco, sea cantado, bailado, tenga la danza como tema o el mimo trágico o cómico. Siempre el artista teje un fino manto de arlequín, y puede mezclar el tango y el pasodoble.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Puede también adaptar la música de Wagner o la de Brahms a las viejas cantinelas de café bar, del mismo modo como compone, de su propia inspiración confesional, música de ballet antes de concebir el argumento de la obra, que será un paso posterior.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Con frecuencia, los acompañamientos de los filmes mudos han sido tomados de registros de canciones de la época, odiosas melodías que ejecutadas sin coordinación con la imagen harían tediosa la visión.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Chaplin es un autor completo, y se rehúsa a utilizar esta facilidad de adaptación musical, pues involucra la traición a su originalidad. Sorprende y causa maravilla verlo, cargado de entusiasmo y con su fina cultura, dar al material heteróclito que utiliza su textura personal, el Pathos directo y sin cálculo que testimonia su autenticidad, su íntima frescura, para envolvernos en las volutas de su encantamiento.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Por encima de todo, en el arabesco de su paso danzante y liviano sobre el silencio domina su voz, única.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">ENLACE PARA ABRIR LA PÁGINA EN YOU TUBE. CHAPLIN DANZANDO</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><a href="https://youtu.be/eMSyDmw0L3w">https://youtu.be/eMSyDmw0L3w</a></span></p>
<div><span class="font-size-3"><span> </span> <a href="https://youtu.be/lMyDYyg0FBA" rel="nofollow">http://youtu.be/lMyDYyg0FBA</a></span></div>
<div><span class="font-size-3">En la segunda presentación danza con patines</span></div>
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REFLEJOS EN UN OJO DORADO / JOHN HUSTON (1967)
tag:organizacionmundialdeescritores.ning.com,2019-11-11:2659438:Topic:5375142
2019-11-11T19:21:29.718Z
Benjamín Adolfo Araujo Mondragón
https://organizacionmundialdeescritores.ning.com/profile/BenjaminAdolfoAraujoMondragon
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3708411642?profile=original" rel="noopener" target="_blank"><img class="align-center" src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3708411642?profile=RESIZE_710x"></img></a> REFLEJOS EN UN OJO DORADO/ JOHN HUSTON (1967)…</strong></span></p>
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<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong><a href="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3708411642?profile=original" target="_blank" rel="noopener"><img src="https://storage.ning.com/topology/rest/1.0/file/get/3708411642?profile=RESIZE_710x" class="align-center"/></a>REFLEJOS EN UN OJO DORADO/ JOHN HUSTON (1967)</strong></span></p>
<p style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt;"><strong>***</strong></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El filme está basado en una novela corta de la escritora estadounidense Carson Mc Cullers (1917), y fue realizada por el gran director John Huston.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El drama fílmico se desarrolla en Georgia, en el sur de los Estados Unidos, en una guarnición militar. La novela de Carson Mc Cullers da una escena precisa del ambiente de la película:</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;"><em>“Un puesto militar en tiempo de paz es un lugar monótono. Pueden ocurrir algunas cosas, pero se repiten una y otra vez (…) Cuarteles enormes de cemento, filas de pequeñas casas cuidadas e idénticas de los oficiales; el gimnasio, la capilla, el campo de golf, las piscinas – todo está proyectado ciñéndose a un patrón rígido. Pero quizás sean las causas principales del tedio que se impone en un puesto militar, junto al aislamiento y un exceso de ocio y seguridad.”</em></span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Esa es la presentación de la escena en la novela que inspira la película, de Carson Mc Cullers.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El director, John Huston, sabe cómo llevar cada trama y cada personaje y dota a la película de un magnetismo especial y de un suspenso morboso. Consigue que percibamos la monotonía aburrida en este fuerte, con charlas triviales, fiestas, juegos de cartas.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Múltiples conflictos se plantean en la obra: El Mayor Penderton, representado magistralmente por Marlon Brando, es homosexual y oculta su tendencia mediante tratos de dureza y ferocidad con los subalternos. Está casado con Leonora (Elizabeth Taylor) y llevan aparentemente una vida normal.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Penderton está atraído cada vez más por el soldado Williams y es prisionero de su profesión. Leonora, cansada e insatisfecha de la falta de virilidad de su esposo, mantiene una relación sentimental con otro de los oficiales que viven en la base militar, el Coronel Morris Langdon (Brian Keith), pero el asunto es más complicado que un simple triángulo amoroso. Harta de la infidelidad de su esposo, dispuesta a divorciarse, se manifiesta la actitud cada vez más escandalosa de Leonora, cansada de su aburrido matrimonio. Y para cerrar el cruce de relaciones, también la esposa del Coronel Langdson, Alison, sostiene una ambigua relación con el criado filipino, Aniceto.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Detrás de esa apariencia ocurre que el Mayor Penderton persigue al soldado Williams, para seducirlo. El Mayor conoce la relación amorosa de su esposa con el Coronel Langdon, y la agrede de manera sutil, primero, y después abiertamente.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Su estado psíquico está sumergido en la confusión ante sentimientos tan opuestos, y recurre a causar daño al caballo de su esposa, al que ella venera. En una carrera desenfrenada en el corcel, al que golpea con el látigo y lo descontrola, el Mayor cae y resulta herido. Su venganza hacia la mujer la cumple en el animal, al que mata. Es una de las escenas más brutales la que presenta a Penderton desatar toda su represión sexual con el animal indefenso. Su escape agresivo lo plasma Huston sin palabra ni diálogo alguno, con unos latigazos que son interrumpidos por la imagen del cuerpo del soldado a quien ama.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El Mayor Penderton invita al soldado Williams a su casa durante una noche. Éste acude a la cita sin saber el propósito definido del Mayor Penderton. Al entrar furtivamente en la casa, el atormentado oficial le dispara y lo mata, en acción desesperada.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">John Huston hace de este filme una realización cabal, con una sólida y eficaz estructura dramática. Describe con acierto los sentimientos de los protagonistas, sus pasiones, y logra con efectos bien utilizados darnos a conocer los motivos psicológicos de los personajes.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Esta obra cinematográfica de 1967 utilizó el color de un modo novedoso, al eliminarlo casi todo para dejar una mezcla de blanco y negro mezclado con el natural.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">El título de la obra es el reflejo del cuerpo desnudo de Leonora Penderton en la pupila del soldado Willians, motivo pasional del drama.</span></p>
<p><span style="font-size: 12pt;">Una película que puede calificarse de clásica por su perfección técnica y la excelente actuación de los actores, entre los cuales se cuenta un elenco de alta calidad: Además de Marlon Brando y Elizabeth Taylor como principales, están Julie Harris, Brian Keith y Robert Foster.</span></p>